大山エンリコイサム：ストリートアート発祥の地で創作活動を展開

留学したのは高校２年生の夏頃でしたが、おっしゃる通り、留学の前と後で自分自身も変化を感じています。

イタリアに行く少し前くらいから、ストリートアート、当時はグラフィティと言っていたのですが、それに興味をもちました。そのきっかけは高校の同級生や先輩にスケートボードやブレイクダンス、ＤＪ、バンドをやっている人がいて影響されたからです。自分も何か打ち込めるものがあればと思い、自分だけのものを探していく中で、ストリートアートに惹かれました。

イタリアの留学先は田舎の寮生活だったので、時間がたくさんあったのですね。そこで生活していくこと自体が新しい経験でした。その経験がよいケミストリーとなり、自分の中で、ストリートアートや、表現していくことへの興味、モチベーションがどんどん膨らんでいったのかなと思っています。

その後、日本に戻ってきて、将来の進路を考えるにあたって、自分のすべきことはなんだろうかという感覚が出てきたのだろうと思います。

僕が創作に興味をもつようになったのは、志木高という学校全体の自由な校風にたぶん起因していると思います。例えば、志木高のピロティのあたりでスケボーをやっている友達がいたり、スケーターファッションで登校してくる友達がいたり。そういう次元で、インスピレーションがあったのだと思います。自分も何かそういう表現をやりたいなという、環境からの触発が自然なものとしてありました。

一方、志木高に限らず2000年代はじめの日本では、ストリート文化、特にニューヨーク発のものが流行っていました。例えば、「裏原ブーム」と言われるような、アメリカのストリートファッションに影響を受けて日本独自のストリートファッションや文化が出てきて、欧米のストリートアートを特集した雑誌などを読んで興味をそそられていました。そういったサブカルチャーからも当然、影響を受けたように思います。

収穫祭のことは僕もよく覚えています。振り返れば、まさに今、いろいろなところでやっているライブペインティングに通じることを確かにやっていたなと思います。僕の場合、部活で、学校の外で発表したりする機会もなかったので、自分の活動を人に伝えていく発表の場が文化祭しかなかったのですね。

今、思い出したのですが、９・11が起きた時に、それをテーマにベニヤに絵をかいた記憶があります。片側にブッシュ大統領、反対側にウサマ・ビンラディンの顔をかいて、真ん中にＬＯＶＥ＆ＰＥＡＣＥという文字をかいたと思います。当時、自分なりに、９・11という大きな事件にすごく影響を受けて、それを自分がもっている表現のツールであるエアロゾル塗料で表現したのだと思います。

あの卒業壁画は、より大きな意味で原点という感じです。最初はダメもとで、高校に何かを残したいと思ったんです。美大でもあるまいし、学校の壁にスプレーで絵をかかせてくれ、というのは通るわけがないと思っていたのですが、聞いてみたところ、宮橋先生に企画書を出すようにと言われた。

初めからダメなものはダメと弾くのではなくて、まず話を聞くからちゃんと考えをまとめて出してみろという。この大人として扱ってもらっている感じがとても嬉しかった。そこできちんとプランを立て、下書きもしっかりかいて、プロポーザルを出してみたら、「ＯＫ」をいただいた。「本当にいいの？」という感じだったのですが（笑）。

始めてみると思ったより大変でした。結局卒業までに間に合わなかったんですよね。それで、途中の状態で放置してしまっていたのです。母親に「学校の壁に絵をかけるなんて滅多にないことを許可してもらっているのだから、最後まで仕上げなさい」と言われ、頑張って夏頃にようやく完成させた記憶があります。

あれは実は、自分がすごく好きなパール・ジャムというアメリカのロックバンドの曲「Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town」の歌詞、“Hearts and thoughts they fade, fade away”（「心も思いも消えていく」）という文字をかいたものです。アメリカの田舎の小さな町のカウンター越しに座っている初老のおばあさんというイメージの曲で、古き良き思い出を歌っている曲と僕は解釈していました。

卒業すると、学校での記憶は消えて、風化していくのかもしれないけれど、確実にそこにあったんだ、というようなことを自分なりに表現しようとしたものなので、タイトルを付けるとしたらその歌詞そのものかなという気がします。

あるいは、僕は全部の作品に「#150」というように連続番号を付けているので、原点という意味で、番号にならない番号、「０」とか「Ｘ」みたいに呼びたい気もします。

ストリートアートとかエアロゾル・ライティングというのは、アメリカのニューヨークが発祥ですし、サブカルチャーのコミュニティ共同体に入って、その実態調査のようなことをする側面もありますので、渡辺先生のゼミは自分の関心が上手くフィットするのではないかと思いました。

指導していただくというよりは、僕が勝手に話しているものを渡辺先生が「ふーん」という感じで聞いてくださり、たまに何か鋭いことを言ってくださるという、かなり自由な関係であったと思っています。

例えば、街中の壁などに何か「落書き」するのは、人類に普遍的な行為です。古くはラスコーの洞窟壁画から常に人類と共にあるものと言っていいくらいです。

しかし、今ここである種の専門性において言う「グラフィティ」は、1960年代の終わりから70年代の初頭にかけて、ニューヨークで地下鉄の側面に主にエアロゾル塗料を用いて名前をかくというタイプの落書き表現です。それがおよそ50年の月日を経て、１つのグローバルな表現文化というか、アートフォームに発展していったのです。

世の中で定着している「グラフィティ」という言葉、これを日本語に訳すと「落書き」になるのですが、やはり、そこには器物損壊（ヴァンダリズム）といった法律違反、迷惑行為になるもの、社会的にネガティブなニュアンスが含まれています。それは市民社会から見てもそうだし、実践している側も、自分たちはある種のアンダーグラウンドなヴァンダリストであるという属性を内面化しているところがある。

それに対して、「ライティング」という言葉ですが、ライトというのは、名前をかくという「Write」です。最初にこの文化がニューヨークで生まれた時に、それを始めた当事者は、これは「ライティング」、つまり「名前をかく」行為であって、ネガティブな意味合いはなく、純粋に客観的な、極めてニュートラルな行為の呼称として使ったのです。

僕自身、この文化をどう解釈するかといった時に、「グラフィティ」という言葉よりも「ライティング」という言葉を積極的に使うことで、この文化の歴史を別様に解釈する立場を取っています。

「エアロゾル・ライティング」のエアロゾルというのは、その画材、ツールですが、単に画材というだけではなく、エアロゾル・スプレーという表現がもつ独自のコンセプチュアルな側面がやはりあります。そこを強調するために、「エアロゾル・ライティング」という言い方を僕はしていて、それが自分の作家性とも結びついています。

「ストリートアート」というのは、さらにその全体をいわば包含する、路上で行われる芸術表現の総称です。「グラフィティ」や「エアロゾル・ライティング」に限らず、例えば、バンクシーなどは、ステンシルを使って地球温暖化に警鐘を鳴らすような具象的な作品で、多くの人にとって理解しやすいメッセージ性のある表現をする。そういったものすべてを含めて、「ストリートアート」と呼んでいます。

「クイックターン・ストラクチャー」というのは、僕が志木高卒業直後ぐらいの時期からかいているものです。ライティングというのは、かき手が「名前」をかくことで自己表現します。本名ではない名前を新しく作り、リアルな自分と地続きだけれどちょっと別な、オルター・エゴ（Alter Ego）という、署名でありかつ創作されたもうひとりの自分の自画像のようなものをかいて自己表現するのが、ライティングの基本的な実践です。

でも、僕は街に名前をかいてパブリックに提示をすることに実はあまり関心はなくて、むしろその文字の形に含まれている線の躍動感とか、立体的な空間性、造形的なエレメントに惹かれていた。そこで、文字や名前という枠組みを取り払って線の動きだけを抽出し、それを反復して再構成することでできたのが、「クイックターン・ストラクチャー」というモティーフです。

そうすることでいろいろな拘束から自由になれると考えているのです。もともと、地下鉄の車両に名前をかいたのは、地下鉄が街を循環していろいろな人の目に触れられるからなのですが、結果的に地下鉄やストリートにかいていなければ本物ではないというような、ある種の原理主義になってしまった。

それに対して、もう一度そこから自由になるには、地下鉄やストリートとか「名前」といった強力なモティーフを解体して、ただの線の運動という抽象物に還元していくことで、もう一度いろいろなメディアに拡散していけると思っています。

つまり街にも地下鉄にも美術館にもかけるし、企業やいろいろな団体とコラボレーションもすることができる。いろいろなメディアや、いろいろな社会的、概念的コンテクストに合わせてバリエーションを増やしてどんどん拡散していけると考えています。

ひとつには、ニューヨークはやはりライティングやストリートアートの発祥の地なので、文化として50年くらいの歴史があるのです。

今、ストリートアートやライティングはグローバルな現象になっていますし、最先端の場所が必ずしもニューヨークということではないのですが、縦軸の歴史という視点で見ると、圧倒的にニューヨークには遺産があるし、パイオニアの人たちもまだ存命で、直接交流することもできます。

またストリートアートに限らず、ニューヨークは近現代美術のひとつの中心地でもあって、特に抽象絵画、抽象的な視覚美術の本拠地のような側面もあります。

僕の関心は、「エアロゾル・ライティング」という複合的な表現文化における視覚的な側面の抽象的な部分を近現代美術における抽象という概念に接続することなので、ストリート的な抽象と、近現代絵画における抽象の両方に大きな歴史をもっているニューヨークというのは、自分にとってすごく意味のある場所だと思っています。

同じ黒でも、墨の黒とエアロゾル塗料の黒とで全然違います。墨というのは液体なので、伸びがいいんですね。黒いペンキを水で溶かすと、水で溶いた分、すごく薄まって、のっぺりとした黒になってしまう。だから、同じ黒でも全然違うし、しかも単に色として違うだけではなくて、実際にかくという行為の中での機能性やテクスチャーという面でも画材ごとに違うわけです。

例えばこのＫｅＭＣｏ（慶應義塾ミュージアム・コモンズ）の作品《FFIGURATI#314》はエアロゾル塗料でかいていますけれど、スプレーというのは噴射システムのことで、中にあるのは油性の塗料です。しかし、筆で塗るのではなくて、ガス圧の噴射で吹き付けているので、同じ油性塗料でも全く違ってくる。

また、同じ作品の黒でも、どの素材にどう吹き付けてそれを背景が黒い状態で見るのか、光がある状態で見るのか、揺れているのか止まっているのかでも違って見えるわけですね。

これはＫｅＭＣｏに依頼されてつくった作品なのです。もともと、このKeMCo StudI/O というのがデジタルファブリケーションのための様々な機器が入っている学生が使う部屋で、奥が暗室になっていて、こちら側の空間と仕切るための何かしらの機能をもった作品を作ってほしいという依頼でした。

その中で、カーテンというアイディアが出てきました。僕自身もちょうど、空間を仕切ったり、仕切られた空間で揺らいでいたり、片側から逆側が透けて見えるようなレイヤー性といったことに関心があったのです。

カーテンは動かして重なったり、片側が閉じると蛇腹状に起伏が生まれたり、いろいろな見え方をするので、この建築が使われる中で、作品の新しい見え方がどんどん発見されていけばいいなと思っています。

三田キャンパスに、リアルな文化財の展示と併せてデジタルなクリエーションもでき、芸術や文化をアーカイブしたり研究したりする本拠地ができたというのは素晴らしいことだと思います。

慶應義塾は歴史のある大学で、いろいろな遺産があるので、それを新しい拠点でデジタルとリアルの両面から考え、どう生かしていくのかということに、すごく期待しています。